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Wombat Reviews

Let Them Hang – « Ossuary »

Let Them Hang est une formation de Death Metal suédoise mêlant rythmiques D-Beat et Mid-tempos. Avec « Ossuary », le groupe propose son premier album, après deux démos ayant échappé aux griffes de Wombat Cult.

Pour ce passage dans la cour des grands avec ce premier LP, le groupe rejoint le label Majestic Mountain Records. Bien loin des sommets aériens d’un Saint Karloff, ou bien du voyage rétro-érotique de Devil’s Witches, Let Them Hang est cette carte insoupçonnée et sans concession, que dégaine le label spécialisé dans la célébration de l’ultra-riff à base de fuzz.
Oubliez donc la lente décomposition sonore de la scène Doom, couchez le soleil aride qui inonde la scène Stoner. Let Them Hang est ici pour jouer de la corde, faire le noeud, serrer la nuque, briser l’échine, retourner la terre, et nous ensevelir six pieds sous terre avec frénésie et assurance.

L’artwork de ce « Ossuary », réalisé par Arjen Kunnen, d’une ténébreuse sobriété, sonne le glas, reposant sur les bases et concepts définissant le groupe : Un fond noir, pour l’obscurité enivrante de l’album, des jambes suspendues au corps et visage non apparents, rappelant le caractère répétée de l’exécution et le caractère régulier et habituel de la mise à mort sonore par le groupe, et enfin ces pieds meurtris, affirmant toute la crasse et la violence dont la formation sait faire preuve. Le corps était la lumière qui donnait sa lueur aux abysses, la mort est passée, il ne reste plus que souffrance et désolation. Il ne reste plus qu’à laisser au temps de recouvrir ces derniers petits éclats, et ouvrir les portes du néant, un cauchemar d’une beauté macabre dont Let Them Hang se fera le guide.


Autour de l’image du pendu, on ne peut cesser de penser aux pochettes cultes de groupes tels que Nails et Forgotten Tomb. Cependant, Let Them Hang, officie loin de ses camarades de cordes qu’ils soient spécialisés dans le Grindcore pour Nails ou bien le Depressive And Suicidal Black Metal pour Forgotten Tomb.
Le groupe suédois n’a pas froid aux yeux et se jette dans la gueule du Death Metal abrupte, réputé dans son pays, à la quête d’une radicalité similaire à celle que cherchait un certain Entombed, il y a trente ans de cela.

Allumez vos enceintes, écoutez le doux ronronnement de la Boss HM2. Dès les premières rotations du vinyle, la saveur est donnée. Let Them Hang joue avec fureur, ne prenant pas de détour. Ils ne sont pas là pour discuter, philosopher ou faire des prisonniers mais bien plutôt pour affirmer leur redoutable position sur la scène suédoise.

Le morceau d’ouverture, « Empire Of Molten Bones, nous rappelle les frissons que l’on avait pu ressentir lors des premières écoutes de « Hand Left Path » d’Entombed.
Néanmoins, il serait triste de découvrir ce « Ossuary » à travers une nostalgie latente, tant la formation ne cesse de démontrer son identité propre, mêlant les sonorités Death Metal à ses rythmiques D-Beat effrayantes de par leur efficacité.
Dès les premières notes d' »Empire Of Molten Bones », le constat est indéniable, une alchimie très particulière opère entre les membres du groupe. Un groove dévastateur prend place sur les neuf morceaux de l’album dont cette ouverture est un fort bel accueil en la matière.

Les trente-cinq minutes filent à toute vitesse ne nous laissant jamaisle temps de souffler mêlant rythmiques endiablés et mid-tempos poisseux. Notre répit arrivera lorsque le dernier accord aura cessé de résonner, sur un Goat Star final ayant tout l’air d’un portail vers les enfers.

Les paroles du groupe ne sont que souffrance et désolation. Il semble, à travers « Ossuary », s’adonner à un rituel pour changer le monde tel que nous le connaissons, en le livrant aux flammes. Ils usent du sang, des croyances occultes et de l’obscurité pour ouvrir un chemin vers l’Armageddon. Ils ne reculent devant aucun concept. La radicalité des propos est d’une rage inouïe autour de la confrontation entre divinité chrétienne et satanisme.

On retiendra tout particulièrement les paroles incisives de « Gothenburg Is Burning », s’attaquant de manière implicite à la scène Death Metal Mélodique dont proviennent les groupes Dark Tranquility, In Flames ou encore At The Gates.
Let Them Hang paraît vouloir régler ses comptes avec l’univers en neuf actes, et un pan de la scène nationale semble mériter un acte à lui seul. Gothenburg serait même l’endroit idéal pour voir déferler l’enfer en premier lieu.

« Gothenburg Is Burning
Cleansed By Napalm
Gothenburg Is Burning
Hell Comes From The Skies »

Let Them Hang est attaché à la puissance de manière unilatérale, qu’elle soit littérale ou musicale. Pourtant, bien qu’attaché aux racines de la scène Death Metal suédoise, ils ne tombent jamais dans le piège du revival old school. Le groupe vit avec son temps et apporte des touches bien placées venant tout droit de la scène Crust/ Post Hardcore, au niveau du chant rappelant parfois un certain Integrity.

Avec « Ossuary », Let Them Hang, se taille une place de choix dans un genre en pleine saturation qui avait du mal à conserver sa radicalité ainsi que son efficacité. Le groupe montre sa capacité à taper fort et juste. On ne peut que rester impatient face à l’idée d’un prochain album qui confirmera très certainement tout le bien que l’on pense d’eux, espérant qu’ils ne tomberont jamais dans un carcan monotone d’un point de vue créatif, avec la certitude que Let Them Hang se trouvera un jour dans les noms de référence de la scène underground suédoise.

Pour soutenir le groupe :

ENGLISH VERSION :

Let Them Hang is a Swedish Death Metal band mixing D-Beat and Mid-tempo rhythms. With « Ossuary », the band offers their first album, after two demos having escaped the clutches of Wombat Cult.

For this passage in front lines with this first LP, the formation joined the Majestic Mountain Records label. Far from the aerial summits of a Saint Karloff, or from the retro-erotic journey of Devil’s Witches, Let Them Hang is this unsuspected and uncompromising card, which the label specialized in the celebration of ultra-riff of fuzz, plays.
Forget the slow sound decomposition of the Doom scene, set the arid sun that floods the Stoner scene. Let Them Hang is here to play the rope, tie the knot, tighten the neck, break the spine, turn the earth upside down, and bury us six feet underground with frenzy and confidence.

« Ossuary »‘s cover, realized by Arjen Kunnen, with a dark sobriety, sounds the death knell based on the origins and concepts defining the group: A black background, for the intoxicating darkness of the album, hanging legs with the body and face not visible, recalling the repeated character of the execution with the regular and habitual character of the sound killing by the band, and finally these feet blessed, affirming all the grime and the violence which the formation knows how to show . The body was the light that gave light to the abyss, death has passed, there remains only suffering and desolation. It only remains to allow time to cover these last little shards, and open the doors of nothingness, a nightmare of macabre beauty where let them hang will be the master.

Around the image of the hanged man, we can’t stop thinking about the cult covers of bands such as Nails and Forgotten Tomb. However, Let Them Hang, officiates far from his ropes friends whether they are specialized in Grindcore for Nails or Depressive And Suicidal Black Metal for Forgotten Tomb.
The Swedish band has no fear and throws itself into the face of abrupt Death Metal, renowned in its country, in search of a radicality similar to that which looked for a certain Entombed, thirty years ago


Turn on your speakers, listen to the soft hum of the Boss HM2. From the first rotations of the vinyl, the flavor is given. Let Them Hang plays with fury, taking no detour. They are not there to discuss, philosophize or take prisoners but rather to assert their formidable position on the Swedish scene.

The opening track, « Empire Of Molten Bones, reminds us of the thrills we felt when we first heard Entombed’s » Hand Left Path « .
Nevertheless, it would be sad to discover this « Ossuary » through a latent nostalgia, as the band never ceases to demonstrate its own identity, mixing the Death Metal sounds with D-Beat rhythms scarying by their efficiency.
With the first notes of « Empire Of Molten Bones », the report is undeniable, a very particular alchemy operates between the members of the band. A devastating groove takes place on the nine tracks of the album whose this opening is a great welcome on the subject.

The thirty-five minutes run at full speed, never giving us time to breathe mixing wild rhythms and sticky mid-tempos. Our respite will come when the last chord will stop resonating, on a final Goat Star that looks like a portal to hell.

The Lyrics are only suffering and desolation. Let Them Hang seems, through « Ossuaire », devote themselves to a ritual to change the world as we know it, by cleaning it in flames. They use blood, occult beliefs and darkness to open a path to Armageddon. They don’t shy away from any concept. The radicality of the proposals is made with an incredible rage around the confrontation between Christian divinity and Satanism.

We will particularly remember the incisive lyrics of « Gothenburg Is Burning », implicitly attacking the Melodic Death Metal scene and bands like Dark Tranquility or In Flames.
Let Them Hang seems to want to settle its accounts with the universe in nine acts, and a section of the national scene seems to deserve an act in itself. Gothenburg would even be the perfect place to see hell in the first place.

« Gothenburg Is Burning
Cleansed By Napalm
Gothenburg Is Burning
Hell Comes From The Skies »

Let Them Hang is unilaterally attached to power, whether literal or musical. Yet, although attached to the roots of the Swedish Death Metal scene, they never fall into the trap of the old school revival. The band lives with his era and brings well-placed touches straight from the Crust / Post Hardcore scene, at the level of the singing part sometimes recalling a certain Integrity.

With « Ossuary », Let Them Hang, carves out a place of choice in a genre in full saturation which had trouble retaining its radicality as well as its efficiency. The band shows its ability to hit hard and right. We can only stay impatient with the idea of ​​an upcoming album which will certainly confirm all the good that we think of them, hoping that they will never fall into a monotonous shackles from a creative point of view , with the certainty that Let Them Hang will be one day in the reference names of the Swedish underground scene.

To support the band :

Oiseaux-Tempête – « From Somewhere Invisible »

Oiseaux-Tempête, électron libre de la scène française, revient avec son quatrième album : « From Somewhere Invisible« . Faisant feu de toute classification, la formation musicale a su depuis 2012 s’imposer sur la scène hexagonale et ne cesse de résonner à un niveau international à chacune de leurs sorties. A la manière d’un fantôme, il plane au-dessus des scènes, des bacs paraissant insaisissable. Les vinyles disparaissent en une poignée de semaines, et demeurent introuvables, interrogeant sur l’existence même du groupe qui semble ne subir aucune emprise de l’industrie musical, il demeure libre.

Le nouvel album d’Oiseaux-Tempête poursuit la ligne musicale de la formation. Nous ne sommes pas en terre inconnue et pourtant la manière de se mouvoir jusqu’à notre esprit a une nouvelle fois changé. « From Somewhere Invisible » propose un savant mélange des genres avec un post-rock traversé par de nombreuses influences, autant expérimentale que punk, dans sa manière de s’articuler. Préparez vous à une expérience, émotionnelle, poétique et intellectuelle, rare lors de cette errance au cœur de la nuit.

Sous des airs d’uniformité, de répétitivité, cette nouvelle offrande semble au fur et à mesure des écoutes s’avérer addictive, changeante, révélant des dédales d’une infinie complexité.

De la sorte, la formation rappelle des groupes tels que Swans, Godspeed Black Emperor, Mono, Earth, Massive Attack, The Wrekmeister Harmonies ou encore Sunn O))), tant elle parvient à se présenter à la manière d’une entité unique, incontrôlable, ne cessant de nous ouvrir les yeux sur le processus même de composition musicale. « From Somewhere Invisible » réussit, avec maestria, à propulser Oiseaux-Tempête au statut de groupe avant-gardiste, permettant d’ouvrir de nouveaux horizons musicaux de par ses expérimentations.

L’artwork est une pièce d’importance capitale dans la proposition d’Oiseaux -Tempête.
On retrouve cette photographie noire et blanc granuleuse qui sied à merveille à la création musicale du groupe. Un souffle de fin du monde, une terre recouverte par les spectres du passé, dissimulée par un voile cendreux, reste de la civilisation « moderne », façonne l’oeuvre d’une aura fascinante.
La photographie de ces deux individus, entrelacés, figurant sur la pochette de « From Somewhere Invisible« , dévoile un sentiment rare dans l’imagerie de la formation. A travers, ce caractère unitaire, fusionnel face à la fin des temps, on ne peut s’empêcher de voir ce couple à la manière d’un cocon, cristallisé dans l’éternel. Une figure neutralisant un futur possible, sublimant les figures du passé, empêchant le libre cours du temps présent, Oiseaux-Tempête parvient à immortaliser la vie en la fossilisant, faisant fi du concept temporel.

« From Somewhere Invisible » est l’histoire d’une ascension en trois temps, guidé par les poèmes de Mahmoud Darwish, Ghayath Almadhoun et Yu Jian. Le vinyle divisé entre ses parties A et B, offre la possibilité d’observer l’oeuvre entre terre et ciel, l’oiseau s’envole et la tempête se déploie. L’interprétation des trois poèmes est tenu par un fil instrumental, à la manière d’interludes, qui ne cesse de faire monter une tension, sans égale, une force qui nous pousse à ne plus détourner l’oreille. Soyez avertis, « From Somewhere Invisible » est une expérience sans pareille qui risque de vous changer à jamais.

La face A se constitue de l’interprétation musicale des poèmes « He Is Afraid And So Am I » de Mahmoud Darwish en introduction, et se conclut avec le frondeur et révoltant « Nous » de Ghayath Almadhoun.

Débutant sur le lourd et rugueux, « He Is Afraid And So Am I« , Oiseaux-tempête débute à la manière d’une locomotive marquant le temps, frappant la mesure. Le duo tape du pied dans ses percussions pour prendre son envol et philosophie autour du poème de Mahmoud Darwish entre conscient et subconscient. Un travail sur l’inaccessible face de notre personnalité nous est scandé par la voix grave et pleine de colère de G.W. Sok qui peut rappeler le phrasé de Lou Reed. Les mots résonnent, portés par une section instrumentale ronronnante qui ne cesse de prendre en ampleur, prenant l’auditeur sous son spectre, le morceau officiant en tant que passerelle pour pénétrer l’univers de l’album.

« I Think: Maybe he’s a killer…
or maybe a passerby who thinks
I am a killer.
He’s afraid…
And so am I.. »

Mahmoud Darwish

La deuxième lecture poétique sera le poème « Nous » de Ghayath Almadhoun, un appel à ouvrir les yeux, à ne plus développer cette vision mondiale individualiste. Le texte parle des peuples opprimés, des souffrances, des tortures qui doivent au-delà de leurs existences de martyrs, s’excuser d’avoir perturbé le quotidien des peuples d’occident. La force du texte est un haut lieu d’écriture, rappelant la vivacité et la radicalité des plus grands écrivains, une puissance entre Emile Zola et Pier Paolo Pasolni.
Le morceau est incendiaire et tente de coincer, capter notre audition, pour nous empêcher de pouvoir reculer, pour ne plus feindre l’ignorance. La partie instrumentale ne cesse de prendre en puissance prenant en hauteur, resserrant ses latitudes pour affiner le sens des mots, dévoiler l’urgence de nos civilisations. Une beauté tragique sans limite se dévoile sous nos vies, Oiseaux-Tempête a réussi, il a trouvé le moyen dans un monde empli de morale et de façonnage de l’esprit à ôter le bâillon qui couvrait nos yeux.

« We have had the impertinence
to leap suddenly onto news bulletins
and the pages ofthe internet and the press,
naked
except for our blood and charred remains.
We apologise »

Ghayath Almadhoun

La face A se termine, nous laisse épuisé, face à nos existences. La face B nous appelle comme un devoir, à faire un pas pour continuer à repenser un monde au bord de l’écroulement. La deuxième partie de ce périple est très certainement la plus belle oeuvre conçue depuis de nombreuses années de par son engagement et sa sincérité.

Débutant sur des notes évoquant le début de l’album, la face B ne cesse de complexifier ses mouvements, dans une ascension progressive, d’une manière majestueuse et stupéfiante jusqu’à l’arrivée de sa pièce maîtresse : « The Naming Of A Crow ».
Une expérience humaine et musicale d’une intensité unique. Les treize minutes mêlant les mots du poète chinois Yu Jian prononcé par G.W Sok de manière prodigieuse, et quasi-prophétique, à la composition ingénieuse d’Oiseaux-Tempête, semblent intouchables. Les mots ne cessent de se croiser, se toucher, et il paraît impossible de ne pas écouter cette piste de manière répétée pour saisir les moindres aspects et atouts dans sa manière de philosopher. Les mots de Yu Jian d’un caractère éternel et intemporel vont pouvoir résonner à tout jamais à travers les mains et instruments de la formation française.

« I never found dove in a crow’s nest
since childhood my hands have been covered
in the thick calluses of language
but as a poet I have never given voice to a crow »

Yu Jian

Oiseaux-Tempête avec « From Somewhere Invisible » a créé une oeuvre sans pareille qui semble pouvoir résonner à tout jamais au cœur de l’humanité, comme une clé pour répondre à nos maux, dans des futurs ténébreux. Ce nouvel album dépasse les horizons de la simple expression musicale, il met en lumière les mots précieux des poètes, derniers et rares guides dans les abysses et pour cela il n’y aura jamais assez de mots pour les remercier.

Pour supporter Oiseaux-Tempête :

ENGLISH VERSION :

Oiseaux-Tempête, a free electron on the French scene, returns with his fourth album: « From Somewhere Invisible ». Making fire of any classification, the musical formation knew how to impose itself on the hexagonal scene since 2012 and does not cease resonating on an international level with each one of their releases. Like a ghost, he flies above the stages, records shops seems to be elusive. The vinyls disappear in a few weeks, and remain untraceable, questioning the very existence of the band which seems to be under no influence from the music industry, it remains free.

Oiseaux-Tempête’s new album continues the musical line of the band. We are not in unknown territory and yet the way of moving until our spirit has once again changed. « From Somewhere Invisible » offers a clever mix of genres with post-rock crossed by many influences, both experimental and punk, in its way of articulating. Prepare for an experience emotional, poetic and intellectual, rare during this wandering in the heart of the night.

Under those appearances of uniformity, of repetitivity, this new offering seems to be progressively addictive, changing, revealing mazes of infinite complexity.

In this way, Oiseaux-Tempête recalls bands such as Swans, Godspeed Black Emperor, Mono, Earth, Massive Attack, The Wrekmeister Harmonies or even Sunn O))), as it manages to present itself as a single entity, uncontrollable, constantly opening our eyes to the very process of musical composition. « From Somewhere Invisible » masterfully succeeds in propelling Oiseaux-Tempête to the status of avant-garde band, allowing to open new musical horizons through its experiments.

The artwork is a piece of capital importance in the Oiseaux-Tempête proposal.
We find this grainy black and white photograph which is perfectly suited to the musical creation of the band. A breath of the end of the world, a land covered by the specters of the past, hidden by an ashy veil, the rest of « modern » civilization, shapes the work of a fascinating aura.
The photograph of these two hugged persons, featured on the cover of « From Somewhere Invisible », reveals a rare feeling in the imagery of the formation. Through this unitary character, fused in the face of the end of time, we can’t stop thinking to a cocoon, crystallized in the eternity. A figure neutralizing a possible future, sublimating the figures of the past, preventing the free flow of the present time, Oiseaux-Tempête manages to immortalize life by fossilizing it, ignoring the temporal concept.

« From Somewhere Invisible » is the story of an ascent in three stages, guided by the poems of Mahmoud Darwish, Ghayath Almadhoun and Yu Jian. The vinyl divided between its parts A and B, offers the possibility of observing the work between earth and sky, the bird flies away and the storm unfurls. The interpretation of the three poems is held by an instrumental thread, in the manner of interludes, which never ceases to raise a tension, without equal, a force which pushes us not to close the ear any more. Be warned, « From Somewhere Invisible » is an experience like no other that could change you forever.

The A side consists of the musical interpretation of the poems « He Is Afraid And So Am I » by Mahmoud Darwish in introduction, and ends with the rebellious and revolting « We » by Ghayath Almadhoun.

Starting on the heavy and rough, « He is afraid and so am I », Oiseaux-Tempête begins like a locomotive marking time, striking time. The band stomps on their percussion to take flight and philosophy around the poem by Mahmoud Darwish between consciousness and subconscious. A work on the inaccessible face of our personality is chanted by the deep and angry voice of G.W. Sok which can recall the phrasing of Lou Reed. The words resonate, carried by a purring instrumental section which continues to grow, taking the listener under his spectrum, the piece officiating as a gateway to enter in the universe of the album.

« I Think: Maybe he’s a killer…
or maybe a passerby who thinks
I am a killer.
He’s afraid…
And so am I.. »

Mahmoud Darwish

The second poetic reading will be the poem « We » by Ghayath Almadhoun, a call to open your eyes, to no longer develop this individualistic worldview. The text speaks of the oppressed peoples, the sufferings, the tortures which, beyond their existence as martyrs, must apologize for having disturbed the daily life of the peoples of the West. The power of the text is a high place of writing, recalling the liveliness and the radicality of the greatest writers, a power between Emile Zola and Pier Paolo Pasolni.
The piece is incendiary and tries to wedge, to capture our hearing, to prevent us from being able to retreat, so as not to pretend ignorance. The instrumental part does not stop taking power taking in height, tightening its latitudes to refine the meaning of the words, to reveal the urgency of our civilizations. A boundless tragic beauty is revealed under our lives, Oiseaux-Tempête succeeded, he found a way in a world full of morale and shaping of the spirit to remove the gag which covered our eyes.

« We have had the impertinence
to leap suddenly onto news bulletins
and the pages ofthe internet and the press,
naked
except for our blood and charred remains.
We apologise »

Ghayath Almadhoun

Side A ends, leaves us exhausted, facing our lives. Side B calls us as a duty, to take a step to continue to rethink a world on the brink of collapse. The second part of this journey is certainly the most beautiful work conceived for many years through its commitment and sincerity.

Beginning on notes evoking the beginning of the album, the B side continues to complexify its movements, in a gradual ascent, in a majestic and breathtaking way until the arrival of its centerpiece: « The Naming Of A Raven ».
A human and musical experience of unique intensity. The thirteen minutes mixing the words of the Chinese poet Yu Jian pronounced by G.W Sok in a prodigious, and almost prophetic, manner with the ingenious composition of Oiseaux-Tempête, seems untouchable. Words keep crossing each other, touching each other, and it seems impossible not to listen to this track repeatedly to grasp the smallest aspects and assets in his manner of philosopher. The words of Yu Jian of an eternal and timeless character will be able to resonate forever to cross the main instruments of the French band.

« I never found dove in a crow’s nest
since childhood my hands have been covered
in the thick calluses of language
but as a poet I have never given voice to a crow »

Yu Jian

Oiseaux-Tempête with « From Somewhere Invisible » has created an unparalleled work that seems to be able to resonate forever in the heart of humanity, as a key to responding to our ills, in a dark future. This new album goes beyond the horizons of simple musical expression, it highlights the precious words of poets, last and rare guides in the abyss and for that there will never be enough words to thank them.

To support Oiseaux-Tempête :

Wombat Hole – May 2020

Chaque mois, des dizaines de vinyles viennent tourner sur la platine de Wombat Cult, afin d’y voir plus clair, à coup de fuzz dans les méandres de l’underground, voici notre top 9 pour le mois de mai 2020.

Each month, dozens of vinyls come to spin on the Wombat Cult’s turntable, to see more clearly, with fuzz in the meanders of the underground, here is our top 9 for the month of May 2020.

9. Vestsjysk Orken – « Full Dark No Stars »

Vestsjysk Orken est l’une de ces formations qui ont su passer sous tous les radars et qui pourtant méritent qu’on s’y intéresse. Après un premier album mariant cinéphilie et amour du Doom instrumental, le groupe polonais propose son second voyage spatial et réussit une fois de plus à convaincre.
On prend un plaisir incroyable à se perdre dans ce dédale psyche cosmique. Parfois inégal dans sa proposition, Vestsjysk Orken a assez d’ideés derrière sa fuzz pour ne jamais nous perdre, nous guidant à travers l’univers et on ne peut que les en remercier.

Pour soutenir le groupe :

Vestsjysk Orken is one of those bands that has been able to go under all radar and yet deserves attention. After a first album marrying cinephilia and love of instrumental cosmic Doom, the Polish band offers its second space trip and once again succeeds in convincing.
We take an incredible pleasure in getting lost in this cosmic psyche maze. Sometimes uneven in its proposal, Vestsjysk Orken has enough ideas behind its fuzz to never lost us , guiding us through the universe and we can only thank them for that.

To support the band :

8. Dopelord – « Sign Of The Devil »

Dopelord a su au cours des dernières années s’affirmer comme groupe majeur sur la scène Doom internationale.
La formation polonaise a su fédérer autour de ses thématiques mêlant magie noire, secte et usage de drogues. Le nouvel album était attendu au tournant après un « Children Of The Haze », convaincant sans pour autant être transcendant. Néanmoins, n’ayez plus aucune crainte car la nouvelle offrande « Sign Of The Devil » est une mine d’or en matière d’efficacité. Agissant à la manière d’un rouleau-compresseur, Dopelord tient son cap et nous laisse dans la fange et au cœur de la peste noire sur fond de rythmique D-Beat.
Lorsque la platine s’arrête, il ne reste plus qu’une chose à faire, recommencer l’expérience jusqu’à ce que les vibrations entament notre ossature.

Pour soutenir le groupe :

Dopelord has known in recent years to assert itself as a major group on the international Doom scene. The Polish formation has managed to unite around its themes mixing black magic, sect and drug using.
The new album was expected at the turn after a « Children Of The Haze, convincing without being transcendent. Nevertheless, have no fear because the new offering » Sign Of The Devil « is a gold mine in terms of Acting like a steamroller, Dopelord holds its course and leaves us in the mire and the spectrum in black plague against the backdrop of D-Beat rhythm.
When the turntable stops, there is only one thing left to do, repeat the experiment until the vibrations start our frame.

To support the band :

7. Old Man Gloom -« Seminar VIII : Light Of Meaning »

Old Man Gloom est de retour 6 ans après son double album « The Ape Of God I » et « The Ape Of God II », avec de nouveau un double album se présentant de la manière suivante « Seminar VIII : Light Of Meaning » et « Seminar IX : Darkness Of Being ».
Notre platine a eu l’immense honneur de faire tourner « Seminar VIII : Light Of Meaning », durant plusieurs jours, plongeant la salle d’écoute dans le chaos le plus total. Old Man Gloom réussit de nouveau à déconstruire la scène underground dans toutes ses extrémités, pour nous proposer une oeuvre abstraite mêlant musique expérimentale à tendance Noise, Sludge et Post-Doom.
On ne peut que trépigner d’impatience de pauser nos oreilles sur la suite de l’aventure, guettant la boîte aux lettres, afin de sombrer de manière totale dans une atmosphère schizoïde dont nous ne ressortirons certainement pas indemne.

Pour soutenir le groupe :

Old Man Gloom is back 6 years after his double album « The Ape Of God I » and « The Ape Of God II », with again a double album looking like « Seminar VIII: Light Of Meaning » and  » Seminar IX: Darkness Of Being « .
Our turntable had the immense honor of spinning « Seminar VIII: Light Of Meaning », for several days, plunging the listening room into the most total chaos. Old Man Gloom once again succeeds in deconstructing the underground scene in all its extremities, to offer us an abstract work mixing experimental music with a Noise influence, Sludge and Post-Doom.
We can only waiting with impatience to make explode our ears on the rest of the adventure. Now, we are watching the mailbox, to sink completely into a schizoid atmosphere, with « Seminar IX » from which we will certainly not emerge unscathed.

To support the band :

6. Revenge – « Strike. Smother. Dehumanize. »

La nouveauté, le changement semblent deux concepts qui ne vont guère à la légende du War Black Metal. La méthode de composition et la proposition semblent ne pas avoir changé et c’est tout ce que l’on pouvait attendre du nouvel album de Revenge.
La colère, la rage et le nihilisme du groupe semble toujours aussi flamboyants bien que plus contrôlés. Alors si vous ne pouvez vous retenir de gesticuler et hurler face aux traditionnels blastbeats de James Read et aux chaotiques enchaînements de riffs de Vermin alors votre chemin est tout tracé, il ne vous reste plus qu’à célébrer le vingtième anniversaire de la formation en vous battant pour mettre la main ce nouveau disque.

Pour soutenir le groupe :

The novelty, the change seem two concepts that hardly go to the legend of War Black Metal. The composition method and the proposal seem to have not changed and that is all that one could expect from the new Revenge album.
The band’s anger, rage and nihilism still seems to be as flamboyant. So if you cannot stop gesticulating and screaming in front of the traditional James Read blastbeats and the chaotic sequences of Vermin riffs then your path is all mapped out, all you have to do is celebrate the twentieth anniversary of the canadian formation. Now fight to get your copy.

To support the band :

5. Sleepwulf – « Sleepwulf »

Vous n’aimez pas la modernité et la seule chose qui importe à vos yeux sont les six premiers albums de Black Sabbath ?
Alors le premier album de la formation suédoise est la solution. Le groupe propose un retour à l’essentiel et se met à nu pour se consacrer à la chose la plus importante : le Riff.
Oubliez donc les derniers albums de Kadavar, bien que maîtrisés, vous avez la nouvelle référence et elle s’appelle Sleepwulf !

Pour soutenir le groupe :

You don’t like modernity and the only thing that matters to you are the first six albums of Black Sabbath?
So the first album of the Swedish band is the solution. The band offers a return to basics and lays bare to devote themselves to the most important thing: The Riff.
Put down the latest Kadavar albums, although they are good, you have the new reference and it’s called Sleepwulf!

To support the band :

4. Yuri Gagarin – « The Outskirts Of Reality »

La conquête spatiale n’est pas prête de toucher à sa fin, après deux premiers albums hypnotiques, Yuri Gagarin est de retour avec ce « The Outskirts Of Reality » d’une puissance infinie.
La formation suédoise révèle la bête qui sommeillait en elle et nous propulse dans un voyage Heavy Psychédélique particulièrement énergique. On y ressent les moindres aspérités, les moindres textures, avec une fuzz tranchante et sans concession. On ne peut que saliver en attendant la prochaine expédition de Yuri Gagrin tant ce troisième album fascine.

Pour soutenir le groupe :

The space conquest is not ready to come to an end, after two first hypnotic albums, Yuri Gagarin is back with this « The Outskirts Of Reality » with infinite power.
The Swedish formation reveals the beast that was sleeping in it and propels us on a particularly energetic Psychedelic Heavy trip. You can feel the slightest roughness, the slightest texture, with a sharp and uncompromising fuzz. We can only salivate while waiting for the next expedition of Yuri Gagrin as this third album fascinates.

To support the band :

3. The Hypnagogics – « Endless Nights »

Vous êtes tristes depuis la disparition des prodigieux The Devil’s Blood ?! Ne vous inquiétez pas, nous avons trouvé un remède.
Après deux Eps assez discrets, The Hypnagogics, groupe suédois aux sonorités Heavy Psyche, déboule sur nos platines avec un premier album « Endless Nights » qui a déjà tous les atouts pour devenir un incontournable du genre.

Pour soutenir le groupe :

You’re sad since The Devil’s Blood disappeared?! Today it’s time to let the riff going up again!
After two fairly discreet EPs, The Hypnagogics, Swedish band with Heavy Psyche tones, spins on our turntable with a first album « Endless Nights » which already has all the assets to become an essential of the genre.

To support the band :

2. Jointhugger – « I Am No One »

Jointhugger avec ce premier album « I Am No One » , montre sa capacité à comprendre l’entièreté de la scène Doom, à se l’approprier et réussit ainsi à proposer une oeuvre nouvelle, quasi chimérique à la manière de son artwork. On ne peut qu’être charmé par une telle démonstration de puissance qui réside dans une intelligence d’écriture réjouissante.

Pour soutenir le groupe :

Jointhugger with this first album « I Am No One » , shows his ability to understand the entire Doom scene, to appropriate it and thus succeeds in proposing a new work, almost chimerical in the manner of his artwork. We can only be charmed by such a display of power which resides in this joyful writing intelligence.

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  1. The Bloody Mallard – « Realm »

Avec son premier album « Realm », The Bloody Mallard s’impose comme la nouvelle référence de la scène progressive. Un voyage instrumental majestueux qui ne cesse de résonner plusieurs heures après avoir éteint la platine. Tout droit sortie des entrailles de la terre, la formation britannique a su avec une maîtrise fantastique créer à la fois un son, un nom, un univers mais bien plus que cela, The Bloody Mallard a atteint la lumière et compte bien nous la partager.

Pour soutenir le groupe :

With « Realm » like first album, The Bloody Mallard is establishing itself as the new reference for the progressive scene. A majestic trip that continues to resonate for several hours after turning off the turntable. Straight out of the bowels of the earth, the British formation knew with fantastic mastery creating at the same time a sound, a name, an universe but much more than that, The Bloody Mallard has reached the light and intends to share it with us.

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Wombat Streaming Bag











Parfois il n’est pas possible de mettre la main sur tous les albums que l’on souhaiterai. Cependant, Wombat Cult creuse internet chaque jour pour trouver des albums essentiels à vous faire découvrir. Voici notre Wombat Streaming Bag du mois de mai 2020.










Sometimes it is not possible to get hold of all the albums we dream. However, Wombat Cult is digging the internet every day to find some wonderful satured albums. Here is our Wombat Streaming Bag for May 2020.










5. CB3 – « Aeons »










Jeune formation venant tout droit de Malmö en Suède, CB3 semble matriser toutes les paternes de la scène Stoner/Doom. Le groupe réussit avec « Aeons »  à délivrer une véritable leçon de réinvention instrumentale du genre et place entre nos oreilles une pièce déjà incontournable de cette année 2020. 





Pour soutenir le groupe :














A young band coming straight from Malmö in Sweden, CB3 seems to master all the arts of the Stoner / Doom scene. The band succeeds with « Aeons » to deliver a real lesson in instrumental reinvention of the genre and places between our ears an already essential piece of this year 2020.





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4. Elephant 9 – « Psychedelic Backfire I »










« Psychedelic Backfire I » est un enregistrement live qui stupéfait de par sa maîtrise à la fois instrumentale et intellectuelle de la scène scène psychédélique. Elephant9 nous fait pénétrer dans son univers riche et hypnotique. 
Le sentiment de projection astrale est infini tant le groupe pousse à vivre l’instant présent. Ils parviennent à nous faire vivre la musique comme peu savent encore le faire rappelant les « Summer Sessions » de Causa Sui. 





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« Psychedelic Backfire I » is a live recording that amazes by its both instrumental and intellectual mastery of the psychedelic scene. Elephant9 takes us into its rich and hypnotic universe.
The feeling of astral projection is infinite. The band pushes us to live the present moment. They manage to make us live music as few still know how to do, recalling the « Summer Sessions » of Causa Sui.





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3. Monolord – « Empress Rising Instrumental Version »










Empress Rising est votre album de chevet depuis sa sortie ? Monolord  a eu une super idée pour vous donner de quoi continuer à ronger la bête ! La version instrumentale de l’album permet de se replonger dans cette création magmatique et de redécouvrir les moindres recoins de la formation adepte de la fuzz. Une aventure à ne manquer sous aucun prétexte. 





Pour soutenir le groupe :














Is Empress Rising your bedside album since its release? Monolord had a great idea to let you keep gnawing the beast! 
The instrumental version of the album allows you to immerse yourself in this magmatic creation and rediscover the smallest corners of the band, follower of fuzz. An adventure not to be missed under any circumstances.





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2. Memnon Sa – « World Serpent »










Memnon Sa  est un artiste très particulier dans son approche de la scène expérimentale. Depuis plusieurs années, sa musique réussit à guérir nos âmes. Après « Citadelles » et le remarquable « Lemurian Dawn », son nouvel album « World Serpent », se dessine comme son chef d’oeuvre absolu. Ne faîtes pas l’impasse sur un tel artiste car il a tout autant besoin de nous que nous avons besoin de lui. 
Éteignez les lumières, fermez les yeux et prenez place à un voyage d’une incommensurable sensibilité dont vous vous souviendrez à jamais.





Pour soutenir le groupe : 














Memnon Sa is a very special artist in its approach of the experimental scene. For several years, his music has succeeded in healing our souls. After « Citadelles » and the remarkable « Lemurian Dawn », his new album « World Serpent », takes shape as his absolute masterpiece. Do not ignore such an artist because he needs us as much as we need him.
Turn off the lights, close your eyes and set off on a journey of immeasurable sensitivity that you will remember forever.





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  1. Bismarck – « Oneiromancer »










Vous êtes du genre à chercher l’oeuvre la plus monolithique de l’année ?! Ne cherchez plus, le nouvel album de Bismarck se charge de vous. 
Démarrant sur une introductions aux sonorités orientales, l’oeuvre que propose Bismarck est d’une efficacité sans pareil , une machine robuste qui pourtant réussit à atteindre des sommets en matière d’élévation de par ses lignes de chants. En matière de Battle Doom, il ouvre de nouvelles portes que l’on n’aurait pas soupçonné et qui pourtant révèlent un groupe qui a tout des plus grands. 





Pour soutenir le groupe : 














Are you the type looking for the most monolithic work of the year ?! Look no further, Bismarck’s new album takes care of you.
Starting with an introduction to oriental tones, the work offered by Bismarck is unparalleled in efficiency, a robust machine which nevertheless succeeds in reaching new heights in terms of elevation. In terms of Battle Doom, it opens new doors that we would not have suspected and which nevertheless reveal a group that has everything of the greatest.





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The Bloody Mallard – « Realm »
	


	

		

The Bloody Mallard, intrigante formation londonienne, dévoile un subtil mélange des genres entre rock progressif, heavy psyche et postrock. Pas de démos, Pas d’EP, le groupe vient directement taper à nos portes avec un premier album : « Realm« . 





Avant même de déposer le très beau vinyle d’un fin rouge sang transparent sur la platine, le groupe anglais réussit avec un visuel à la fois épuré et complexe à introduire son univers mais également ses influences. L’artwork réalisé par Bedelgeuse pousse à la  rencontre entre l’herbalisme et le travail graphique de  Alex Grey. De la sorte, The Bloody Mallard renvoie à la référence sur la scène progressive moderne : Tool. Cependant, bien qu’affichant ses origines, dès le premier coup d’oeil, la formation britannique s’éloigne de la « lacrymologie » et apporte une vision quasi-prométhéenne. 





En mêlant la nature, en tant qu’entité créatrice, et l’homme, en tant que créature céleste, le groupe tente de replacer la figure de l’être humain dans l’univers. 
La possibilité d’analyse philosophique de ce « Realm » semble être infinie tant l’imagerie de l’album, supplanté par sa composition instrumentale virtuose, fonde sa mythologie entre Terre maternelle et cosmos, où l’Homme paraît tel une création cosmique  ne pouvant céder face à la quête de savoir, afin de démasquer son créateur.
Le regard de l’homme, sur la couverture de l’album, fait de chair et de sang au yeux attirés par les cieux, témoigne de la volonté toujours plus grande de recherche des origines, là où parfois la réponse se trouve tout autour de nous, au cœur de la nature. 





C’est autour de cette quête devant l’éternel que se tournera notre oreille, autour de la genèse de l’homme jusqu’à sa rupture face à ses racines. 
A la manière d’un voyage initiatique, ce premier album de The Bloody Mallard, se découvre à travers l’apparition et la conception du genre humain entre terre et lumière. 
Une quête incessante vers le soleil, astre aveuglant, qui à l’inverse de nombreuses oeuvres du genre réussit à nous bercer au cœur d’un halo chaleureux.





L’album se divise en deux parties distinctes entre le contenu et le contenant du corps humain, créature terrienne.





La face A débute le voyage dans le sang, liquide source de vie,  et nous guide jusqu’à l’apparition de particules fongiques que l’on dénomme Noble Rot. De l’irrigation du corps jusqu’au développement de micro-organismes indispensables en passant par la création moléculaire, cette première partie revient  en détail sur la conception de l’essence,  l’énergie, donnant vie aux êtres à travers une proposition instrumentale envoutante.






La première piste  « Haemoglobin », s’ouvre sur un court silence, où l’on peut entendre la nature roucouler, bourgeonner, vivre, jusqu’à ce que les premières notes résonnent à la manière de l’élévation d’une structure, corps extraordinaire. Ce dernier semble prendre vie une fois que la batterie rejoint le duo guitare basse, propulsant le sang, la vigueur dans ce corps, gauche et pourtant déjà si parfait, sortant des verts pâturages. 





Tout au long de l’album, il s’agira de reconnaître la maitrise ingénieuse du batteur de la formation tant il est le coeur battant de l’oeuvre irriguant la totalité de l’oeuvre. La guitare, quant à elle, propage le fabuleux travail de composition en symbolisant le sang, nourriture du corps. Enfin la basse, intervient comme révélateur et affirme la puissance de The Bloody Mallard, réussissant constamment à tirer son épingle du jeu, résonnant dans l’architecture d’un album transcendant, puissance émotionnelle stupéfiante. 





Ce premier morceau donne le cap de cette face A ne cessant de monter en intensité, révélant derrière chaque note, accord, un vrai travail d’orfèvrerie qui transcende l’auditeur. 





La première partie de l’album se termine avec finesse et ingéniosité, par le morceau « Noble Rot » faisant référence à la pourriture noble, apportant les meilleures conditions à la création du vin, à la l’enrichissement du sang, développant les meilleurs particules microbiennes. Le morceau débute avec un travail sur la résonance clean des accords, sur la manière qu’ils ont de se rencontrer et de se développer en tant que fréquences jusqu’à saturation et explosion pour célébrer la fin de ce premier temps consacré à la création de la vie au sein du corps. 
Cette interstice dédiée à la particularité du Noble Rot rappelle l’échange philosophique entre Bruno Ganz et Matt Dillon dans The House That Jack Built de Lars Von Trier, discussion autour des manières et méthodes afin de magnifier la création artistique. 





La face B, travaille autour de la solidarisation des synapses et la création de l’être humain en tant que créature indépendante. Le voyage que propose The Bloody Mallard fascine, obsède de par sa structuration organique de l’être  humain. Cette deuxième partie ne cesse de prendre en ampleur et permet à l’album de vivre dans son apparat le plus majestueux. 
Le morceau en deux segments Ceremonious Synapses rappelle par moments le savoir faire de formations telles que Plini ou bien Intervals. L’enchaînement de la pluralité rythmique  pousse l’auditeur à saisir la main que tend The Bloody Mallard, de façon aveugle, et se   perdre dans cette rencontre du microcosme cellulaire face au macrocosme cosmique.





« Realm » se termine sur l’apaisant et enivrant « Dawn », au cours d’une montée qui à nous oreilles aurait pu ne jamais se terminer tant la naissance de The Bloody Mallard relève du miracle. 





Avec son premier album « Realm », The Bloody Mallard s’impose comme la nouvelle référence de la scène progressive. Tout droit sortie des entrailles de la terre, la formation britannique a su avec une maîtrise fantastique créer à la fois un son, un nom, un univers mais bien plus que cela, The Bloody Mallard  a atteint la lumière et compte bien nous la partager.






	




	



	




	



	




	



	




	



	




	

Note : 5 sur 5.




Vous pouvez soutenir le groupe ici : 



















ENGLISH VERSION : 





The mysterious London-based The Bloody Mallard reveals a subtle mix of genres between progressive rock, heavy psyche and postrock. No demo, No EP, the band comes directly knocking on your door with a first album: « Realm ».





Even Before putting the very beautiful vinyl of a thin transparent blood-red on the turntable, the english band succeeds with a refined and complex visual to introduce its universe but also its influences. The artwork realized by Bedelgeuse propels a meeting between herbalism and the graphic work of Alex Grey. In this way, The Bloody Mallard refers to the reference on the modern progressive scene: Tool. However, although showing its origins, at the first glance, the British formation moves away from « lacrymology » and brings a quasi-Promethean vision to its work. 





Mixing nature, as a creative entity, and Man, as a celestial creature, the band tries to replace the figure of the human being in the universe. The possibility of philosophical analysis of this « Realm » seems to be infinite. 
The album, with his visual work, bases its mythology between mother Earth and cosmos, where Man seems like a cosmic creation that cannot abandon his quest for knowledge, in order to unmask its creator. The look of the man, on the cover of the album, made of flesh and blood, with the eyes drawn to the heavens, testifies to the ever greater desire to search for origins, where sometimes the answer is found all around us, in the heart of nature.





It is around this quest in front of the eternal that our ears will turn, around the genesis of man until his rupture with his roots. In the manner of an initiatory journey, this first album of The Bloody Mallard, is discovered through the appearance and the conception of the human race between earth and light. 
An incessant quest towards the sun, blinding star, which unlike many works of the genre succeeds in rocking us in the heart of a warm halo.





The album is divided into two distinct parts between the content and the container of the human body, creature of the earth.





Side A begins the trip with the blood, source of life, and guides us until the fungal particles known as Noble Rot. From the irrigation of the body to the development of essential micro-organisms through molecular creation, this first part goes back in detail on the conception of essence, energy, giving life to everyone through an bewitching instrumental proposition .






The first track « Haemoglobin », opens on a short silence, where we can hear nature coo, bud, live, until the first notes resonate in the manner of the elevation of a structure, extraordinary body. This one seems to come to life once the drums join the guitar/bass duo, propelling the blood in this body, clumsy and yet already so perfect, emerging from the green pastures.





Throughout the album, it will be important to  recognize the drummer’s ingenious mastery as he is the beating heart of the album irrigating the entire work. The guitar, meanwhile, spreads the fabulous work of composition by symbolizing the blood, nourishment of the body. Finally the bass, intervenes as revealing and affirms the power of The Bloody Mallard, constantly succeeding to reveals the different textures of nature, resonating in the architecture of a transcendent album, with an amazing emotional power.





This first piece sets the course for this side A, constantly increasing in intensity, revealing behind each note, chord, a real work of goldsmithing that transcends the listener.






The first part of the album ends with finesse and ingenuity, with the song « Noble Rot » referring to the mushroom, who brings the best conditions to the creation of wine, to the enrichment of blood, developing the best particles microbials.
The song begins with a work on the clean resonance of the chords, on the way they have to meet and develop as frequencies until saturation and explosion to celebrate the end of this first time devoted to the creation of life within the body. 
This interstice dedicated to the particularity of Noble Rot recalls the philosophical debate between Bruno Ganz and Matt Dillon in The House That Jack Built directed by Lars Von Trier, discussion around ways and methods in order to magnify artistic creation.





The B side, works around the joining of synapses and the creation of the human being as an independent creature. The trip that The Bloody Mallard offers fascinates, obsesses with its organic structure of the human being. 
This second part of the album continues to grow and allows the album to live in its most majestic pageantry. The piece in two segments « Ceremonious Synapses » sometimes recalls the expertise of bands such as Plini or Intervals. 
The rhythmic plurality pushes the listener to grasp the hand that The Bloody Mallard holds out, blindly, and need to acccept to get lost in this meeting of the cellular microcosm facing the cosmic macrocosm.





« Realm » ends on the soothing and intoxicating « Dawn« , during a climb that to our ears could be eternal as the birth of The Bloody Mallard is a miracle.





With « Realm » like first album, The Bloody Mallard is establishing itself as the new reference for the progressive scene. Straight out of the bowels of the earth, the British formation knew with fantastic mastery creating at the same time a sound, a name, an universe but much more than that, The Bloody Mallard has reached the light and intends to share it with us.






	




	



	




	



	




	



	




	



	




	

Note : 5 sur 5.




You can support the band here : 










	


	
	






	
	

		
	

		
Jointhugger – I Am No One
	


	

		

Jointhugger, trio osloïte, fondé en 2012 dévoile son premier album « I Am No One » après une première démo assez discrète « Daemo EP« , sortie en 2019. 





Il y a un an, avec cette première demo, nous pouvions entrapercevoir une formation quasi-instrumentale avec de la suite derrière les idées. Regorgeant de morceaux fascinants tels que « Empty Space » ou encore l’entraînant et désormais incontournable « I Am No One ».  Cependant, la qualité sonore proposée n’était pas encore à la hauteur de leur puissance de composition. Tirant par moment trop fortement sur les aigus, le manque de basse se faisait ressentir, laissant l’auditeur avec une écoute moindre. 





Mai 2020, tout juste un an après leur premier effort, le groupe est de retour et signe chez Interstellar Smoke Records pour une sortie physique. L’éditeur polonais, désormais célèbre dans la sphère Stoner/Doom internationale, propose une très belle édition vinyle. 





L’album « I Am No One » de Jointhugger est constitué de quatre morceaux. Chaque face du vinyle contient deux morceaux dont deux réenregistrements issus de la démo, on retrouve l’hymne « I Am No One » sur la face A ainsi que le redoutable et pachydermique « Domen » sur la Face B. 





Le morceau « In Dire Of Fire Ch.1 » ouvre les hostilités et donne à l’auditeur toutes les raisons de se réjouir. En un morceau, le groupe norvégien définit à la fois son empreinte musicale mais également sa nouvelle puissance de fuzz. La scène psyche-doom n’a pas autant groové depuis plusieurs années. Enchaînant les séquences cleans aux phases saturées, Joithugger ne cesse de propulser ses morceaux, leur donnant à la fois une certaine complexité mais également un groove comme il est rare d’en dégoter. Les changements rythmiques permettent une constante réinvention du morceau faisant  de Jointhugger une intelligente formation dans la création d’images sonores. Les influences presque jazz de la composition offrent une subtile découverte avec ce morceau d’ouverture. Lorsque la dernière note résonne nous n’attendons plus qu’une chose, le chapitre deux de ce « In Dire Of Fire Ch.1« , espérons que nous pourrons le découvrir prochainement. 





L’album enchaîne ensuite avec le morceau titre « I Am No One« . Découvert sur leur démo, le morceau prend ici toute son ampleur,  lui conférant une dimension interstellaire nihiliste sans précédant. Le chant y règne en maître, tapissé dans l’obscurité, scandant l’hymne incontournable du groupe « I am no one and I am all. I’m not just one individual. I am the universe and it is me. We are like one and we will always be. » Le morceau ne cesse de nous bousculer qu’il s’agisse de par ses nappes sonores unissant guitare et basse ou encore de sa charge armée d’une double pédale à la batterie. En un mot, la face A se conclut avec une puissance dont vous ne sortirez pas indemne. 





La suite du périple s’effectue sous forme de retrouvailles avec le morceau « Domen« , que nous pouvions trouver en ouverture de la démo. Le morceau qui était porteur de promesses sur ce premier effort, se trouve ici littéralement transformé, respire et vit comme nous n’aurions pu l’imaginer. 





 Pour conclure l’album, Jointhugger nous propose une nouvelle composition d’environ onze minutes qui permet de comprendre les influences du trio. « Nighfright » ne peut fermer les yeux sur son ancêtre qu’est Sleep. Une sorte de Holy Mountain tombé au beau de la fontaine de jouvence. Ce morceau de clôture est un vrai voyage temporel tant il nous porte de l’origine du genre jusqu’à sa plus grande modernité dans les ultimes fréquences de ce premier chapitre.





Jointhugger avec ce premier album « I Am No One« , montre sa capacité à comprendre l’entièreté de la scène Doom, à se l’approprier et réussit ainsi à proposer une oeuvre nouvelle, quasi chimérique à la manière de son artwork.  On ne peut qu’être charmé par une telle démonstration de puissance qui réside dans une intelligence d’écriture réjouissante.






	




	



	




	



	




	



	




	



	




	

Note : 4 sur 5.




Vous pouvez soutenir le groupe ici :









Obsidain Black & Milky Ectoplasm 180 Gram Heavy Weight Vinyl










ENGLISH VERSION : 





Jointhugger, a trio from Oslo, founded in 2012 unveils their first album « I Am No One » after a fairly discreet first demo « Daemo EP« , released in 2019.





One year ago, with this first demo, we could catch a glimpse of a quasi-instrumental formation with many vibrating ideas. Full of fascinating songs such as « Empty Space » or even catchy and now unavoidable « I Am No One« . However, the sound quality offered was not to the level of their compositional power. Sometimes pulling too hard on the treble, the lack of bass was felt, leaving the listener in a little chaos. 





May 2020, just one year after their first Demo, the band is back and signs with Interstellar Smoke Records for a physical release. The Polish label, now famous in the international Stoner / Doom sphere, offers a very beautiful vinyl edition.





Jointhugger’s album « I Am No One » is a 4 songs LP. Each side of the vinyl contains two songs including two re-recordings from the demo, we find the anthem « I Am No One » on side A as well as the pachydermic « Domen » on Side B.





The song « In Dire Of Fire Ch.1 » opens hostilities and gives the listener every reason to rejoice. In one shot, the Norwegian band defines both its musical imprint but also its new power of fuzz. The psyche-doom scene hasn’t grooved as much for several years. Chaining clean sequences with saturated phases, Joithugger continues to propel his songs, giving them both a certain complexity but also a groove as it is rare to find. The rhythmic changes allow a constant reinvention of the song making Jointhugger an intelligent formation in the creation of sound images. The jazz influences of the composition offer a subtle discovery with this opening track. When the last note sounds we are just waiting for one thing, chapter two of this « In Dire Of Fire Ch.1« , hope we will not waiting so long.





The album continues with the title track « I Am No One« . Discovered on their demo, the song takes all his fullness here, giving it an unprecedented nihilistic interstellar dimension. The sing part is like an evil conqueror, carpeted in darkness, chanting the unavoidable anthem of the group « I am no one and I am all. I’m not just one individual. I am the universe and it is me. We are like one and we will always be.  » The song does not stop jostling us whether it is through its sound layers uniting guitar and bass or its charge armed with a double pedal on the drums. In a word, side A ends with a power from which you will not come out unscathed.





The second part of the LP takes the form of a reunion with the song « Domen« , which we could find at the opening of the demo. The piece which carried promises on this first effort, is here literally transformed, breathes and lives as we could not have imagined. 





To conclude the album, Jointhugger offers us a new composition of about eleven minutes which allows us to understand the influences of the trio. « Nighfright » cannot turn a blind eye to its ancestor, Sleep. A kind of Holy Mountain fallen in the beauty of the fountain of youth. This closing piece is a real temporal trip as it takes us from the origin of the genre to its greatest modernity in the final frequencies of this first chapter.






Jointhugger with this first album « I Am No One« , shows his ability to understand the entire Doom scene, to appropriate it and thus succeeds in proposing a new work, almost chimerical in the manner of his artwork. We can only be charmed by such a display of power which resides in this joyful writing intelligence.






	




	



	




	



	




	



	




	



	




	

Note : 4 sur 5.




You can find « I Am No One » physical release here :